D’un côté la voix et le piano de Chantal Acda, de l’autre les machines et les ambiances de Adam Wiltzie et au milieu le néant, une zone de friction qui se rétrécit rapidement au point de disparaitre, une imbrication que seuls les violons de Hildur Gudnadottir et Chester Desmond contemplent parfois.

Alors que depuis plusieurs années, Adam Wiltzie compose les chansons d’ambiant-drone de Stars of the Lid en s’échangeant des fichiers à distance avec Brian McBride son acolyte de toujours, il retrouve ici la sérénité d’un travail instinctif où le dialogue peut s’établir entre instruments organiques et échappées électroniques (« From where it was »).

Si sur le papier, cette alchimie donne des frissons dans le dos, l’équilibre du couple s’avère malheureusement un brin brinqueballant au fur et à mesure que l’on avance dans ce « With Our Heads In The Clouds And Our Hearts In The Fields » ; la tête se dorlote bien dans les nuages cotonneux dessinés de toute pièce par le père mais le cœur, lui, étouffe sous la terre labourée par la mère avec trop de vigueur.

Dans sa construction et dans la rencontre qu’il propose, Sleepindog fait penser à un autre grand duo de l’année : King Creosote et Jon Hopkins. Là aussi il est question d’une délicate fusion où chacun essaye de donner tout ce qu’il a sans pour autant jamais empiéter sur la pureté des interventions de l’autre. Mais là où les compositions de King Creosote se suffisent à elles-même et ne sont que magnifiées par les ajouts de Jon Hopkins, celles de Chantal Acda peinent à fonctionner sans les l’incroyable densité des textures de son hôte (« Kitten Plays The Harmony Rocket »).

Un décalage se crée alors dans notre esprit et la belle osmose n’est plus qu’une relation de dépendance de l’un à l’autre, et plus les mélodies vocales se craquellent, plus les variations harmoniques et les clusters maintenus nous emballent.

Pour leur troisième album, ils ont décidé de bosser avec une valeur sûre : John Congleton (Bill Calahan, the Walkmen, Xiu Xiu, Explosions in the Sky…). L’objectif est de conserver au premier plan l’intensité du côté live qui les a toujours caractérisé.

“Recreation” devrait alors être un disque plein de rupture et d’explosion, une cavalcade qui ne manquera pas de reprendre son souffre et de souligner les détails. Bref un disque qui devrait être à l’image de “Home Truth” le premier titre en écoute ci-dessous :

Mon histoire avec Kid With No Eyes  a commencé d’une bien étrange façon.

Sur une scène parisienne où il se produisait en tant qu’invité, interprétant seulement quelques titres, seul à la guitare, sans s’annoncer. Immédiatement, j’ai été subjuguée. Par le grain de voix, déjà, cette rugosité du timbre qui provoque irrémédiablement  les frissons. Par la grâce des compositions ensuite.

En live, seul avec sa guitare, l’effet est saisissant : La magie opère sans que l’on comprenne bien pourquoi. Immédiatement j’en suis convaincue, ce kid là est un mugicien. Un de ces musiciens-magiciens qui excellent dans l’art de fabriquer du merveilleux à partir de presque rien.  Il est de ceux qui bricolent  des morceaux qui font voyager l’auditeur bien loin dès lors que celui-ci se laisse happer par les mélodies enveloppantes. Un des rares capables de faire sourdre des émotions du plus profond de ton âme.  Celles qui te laissent pantois, ébaubi, bien incapable d’expliquer pourquoi.

Sauf que ce soir là, impossible de récupérer le nom de l’artiste qui m’avait tant émue. Je quitte donc la Bellevilloise un peu étourdie par la jolie rencontre musicale et fermement décidée à retrouver au plus vite un lien vers la musique de celui qui m’avait tant émue. C’est seulement quelques semaines plus tard que je tombe par hasard, alors que je ne le cherchais plus, sur Kid With No Eyes aka Clément Verzi, hors scène.

Dès cet instant, j’ai suivi de près son travail.  Qu’il se produise seul sur de petites scènes ou en première partie de Yaël Naïm avec qui il a travaillé (sur  son album éponyme il partage avec elle un duo (« Shelcha »)) devant un public bien plus nombreux, l’effet est toujours aussi sidérant. Quand il entonne son chant, ses mots et l’intensité de son interprétation font que le temps semble se suspendre.

Dès lors qu’on a assisté à un concert de KWNE on réalise combien il est difficile de rendre une telle émotion, en photo ou en vidéo. Mais voilà KWNE est lauréat de la sélection 2012 du FAIR et à ce titre le Hiboo doit relever le défi de tenter de rendre accessible par l’image l’authenticité touchante de ce conteur surdoué. Loin du décor habituellement associé à la folk boisée qui sent bon le feu de cheminée, le décor est planté dans une station de métro. Pas n’importe où. A Auber, sur des tapis roulants où les parisiens pressent le pas.

Dédaignant les clichés associés à ce genre musical, boudant les grands espaces et les cabanes en bois, le Hiboo choisit de mettre en scène le Kid dans un environnement urbain. Bien lui en a pris : Le contraste est saisissant entre l’interprétation habitée et l’apparente indifférence des passants. Qu’importe cette foule qui file vers son destin,  le kid continue son chemin, sans esbroufe. Clément joue simplement son morceau et l’instant n’en est que plus beau alors que pourtant il semble comme intégré à un décor qui n’est pas le sien. Déjà par le passé, alors qu’il produisait seul des vidéos pour promouvoir son projet, il avait tenté ce genre d’expérience, s’installant chez un caviste et chantant ses textes mélancoliques au milieu des clients qui semblaient ne pas faire grand cas de sa présence.

Que penser de ceux qui filent droit devant eux sans prendre le temps de prêter l’oreille à cette voix troublante qui s’offre à eux dans un endroit des plus inattendus ? Qu’ils mériteraient sans  doute de sortir de leur bulle l’espace d’un instant pour ne pas passer à côté de tels moments.

Heureusement, le Hiboo a capté un peu de la magie de cette session souterraine et nombreux sont ceux qui vont désormais pouvoir savourer cette version acoustique de Better Man, titre qu’on a déjà pu entendre notamment interprété en duo avec Yaël Naïm au festival Musik’Elles et qui devrait figurer sur l’album de KWNE attendu pour la rentrée prochaine. Ce morceau au même titre que le reste du répertoire de KWNE confirme qu’il appartient au clan des esthètes dénués d’affectation qui misent davantage sur leur charisme et l’efficacité imparable de leurs mélodies émouvantes conjuguées à un songwriting convaincant que sur une mise en scène tapageuse.

Quelque soit l’endroit, l’émotion est là. Magie des mélodies élégantes sur lesquelles se pose son inimitable grain de voix.

Byetone, de son vrai nom Olaf Bender, est avant tout le fondateur du label Raster-Noton et, ayant grandi dans une Allemagne de l’Est méfiante des valeurs de l’ouest, il a depuis toujours été un partisan de la formule « Comment faire plus avec moins », sans qu’il s’agisse d’une décision imposée. C’était une histoire de conviction qui collait bien avec sa réalité. Du coup, qu’il s’agisse de son travail d’entrepreneur ou de musicien, il aura imposé sa vision d’un minimalisme social : offrir plus sans consommer inutilement les ressources, sans se bruler les ailes, sans laisser le champ des possibles nous monter à la tête. C’est un type qui veut partager tout ce qu’il a, comme s’il s’agissait de toujours se délester des choses qu’on accumule. Il veut partager le bruit comme le silence, le noir comme le blanc. Il aime que les silences aient besoin du bruit pour exister et que le noir et le blanc ne signifient rien sans les couleurs. Il se passionne pour les paradoxes et pour les oppositions, mais ne veut rien garder pour lui.

C’est toute cette approche de la vie qu’on retrouve dans « Symeta » ! « Symeta »,  un mot qui évoque la symétrie, la synthèse et les cimetières, un mot qui essaye d’en dire beaucoup avec seulement 6 lettes, un mot plein de contradictions, mais au final un mot simple, à la sonorité facile à retenir, un mot accessible et intelligible comme les 7 titres qui se cachent derrière. Alors que Raster-Noton a publié cette année des albums magnifiques d’une complexité angoissante (l’album de Kangding Ray et celui de Cyclo) ainsi que des bijoux de minimalisme (les solos d’Alva Noto), Byetone cherche à réaffirmer l’identité du label, à rappelé que leurs ambitions n’abritent nul élitisme ; la froideur expérimentale de ses membres n’avance jamais dans son coin et se met toujours au service des gens. On se retrouve alors absorbé par des boucles simples mais touchantes, simplistes mais raffinées. Il fait froid ; le souffle du ciel, perverti par les bourdonnements des usines toujours en fonctionnement, ne nous rassure plus ; mais plutôt que de se replier sur nous-mêmes et d’errer dans les rues abandonnées d’une capitale de l’est, nous sourions et dansons au milieu de la route avec les derniers passants. Ensuite, tout est une question de progression : ne pas brusquer, ne pas vivre d’illusion d’un futur meilleur, maintenir la pression, mais se contenter de cette boucle qui tournera encore été encore.

Les paradoxes de Byetone se matérialisent également dans l’objet même. Alors qu’il pousse au minimalisme et à l’absence de possession, sa passion pour le design souligne combien il aime l’objet « disque ». En s’occupant des pochettes de Raster-Noton et de l’identité visuelle du label, il donne corps à ce qui semble être devenu superflu aujourd’hui. L’esthétisme serait-il alors la seule voie de sortie pour les objets anachroniques ? Non, au contraire même, chez Olaf Bender, l’esthétique ne s’entend que dans un sens Bauhaus : il faut avant tout que les choses aient une signification et une légitimité. Du coup, on ne sait jamais ce que représente l’album pour Byetone. Est-ce un poids dont il faudrait s’affranchir, une étape inutile entre le musicien et l’auditeur ? Ou bien une pièce qui formalise l’œuvre et l’apporte à la réalité ? Ces questions ne me quittent pas à l’écoute de « Symeta ». Quel est le projet ? S’agit-il de démontrer qu’une chanson peut se limiter à un beat et un click (« Neuschnee »), ou de souligner que c’est dans les détails esthétiques que se trouvent le salut (« Topas »).

Au final, Byetone semble aussi perdu que moi entre son amour du vide et sa passion des belles choses. On dirait qu’à chaque grésillement, cette boucle mentale s’inscrit dans son crane : le beau est inutile, l’inutile est à bannir, mais on ne peut définir l’inutile qu’à partir du beau. Alors il vogue, un coup entre le minimalisme, un coup dans sa quête du détail parfait.

Et alors, « Symeta » devient un objet évident, une œuvre facile d’accès, qui ne cherche jamais la complexité tout en méprisant la simplicité (« Helix »). Le plaisir est immédiat, c’est un plaisir util et fonctionnel. On danse sur ces chansons ; elles nous accompagnent dans les villes ; on vit en elle : ce sont des lieux d’habitation, des lieux pratiques et conçus pour nous simplifier la vie.

On pourrait voir dans « Symeta », le sens du sacrifice de son auteur. Comme si, afin de permettre aux poulains de son label de se concentrer sur une musique exigeante et ardue, Olaf Bender avait accepté de composer des titres qui parleraient à tout le monde et qui ouvriraient la porte du label à ceux qui avaient peur d’y rentrer. Mais je crois qu’il est surtout la conséquence d’une recherche absolue du plus petit dénominateur du son Raster-Noton. Si l’on se met face à l’intégralité de leur production, ce n’est pas Alva Noto qui porte en lui l’identité de la maison, mais bien Byetone !

Plus « Symeta » avance, plus il est corrompu par un son live et par l’incursion de guitares électroniques (« Black Peace ») et de drones métalliques. On s’y sent comme dans une longue improvisation, comme si la composition, elle aussi, devenait superflue : la musique se jouerait dans l’instant et c’est tout ce dont elle aurait besoin pour survivre. Et puis tout d’un coup, ça ne s’arrête plus, Byetone oublie ses réflexions et se laissent embarquer par la musique comme un punk électronique qui veut taper à l’infini sur ses machines (influence de Suicide sur la deuxième partie de l’album). Peu à peu, le clics austères sont remplacés par une batterie au son plus humain, et à mesure que Olaf Bender gagne en humanité, il oublie sa philosophie, et c’est le « Comment faire plus avec moins ? » qui perd de son sens. Il ne réfléchit plus, il veut juste « faire ».

Leur nouvel album sortira le 27 février, et “Just a Song” semble être une formule signifiant juste une chanson pour patienter ; et non pour répondre à toutes nos interrogations.

Quand le saxo de Vincent Stefanutti apparait pour la première fois sur « Blurred Vision », on vacille tant on n’avait pas envisagé une seule seconde le décrochage free-jazz qui allait s’opérer (je ne connaissais pas « Facial » leur premier album au moment de la découverte de « Alliance »). John Zorn veille affectueusement sur ces jeunes là.

Au free-jazz pour son côté pile, K-Branding répond par la no-wave pour son côté face, mais plus que des influences et des rattachements à des mouvements, on sent surtout le besoin chez le trio de jongler avec le concept de liberté sonore : déployer une base inspirée par la musique concrète, y lâcher les guitares de Sonic Youth, y noyer les ambiances d’un vieux club de Jazz et enfin déclamer une prière pour réveiller le Dieu des forêts sombres (« Astral Feeling »).

De ce besoin de liberté nait aussi une relation fraternelle avec l’improvisation et de nouveaux fils se tendent sur « Assente Cultura » avec le plaisir certain d’entendre une jeunesse pour qui le travail de Derek Bailey et Anthony Braxton a encore du sens.

A trop jouer la carte de l’indépendance, le trio belge a peut-être parfois tendance à trop vite opter pour un « pour vivre heureux, vivons cacher » et on se met à regretter que la voix de Sébastien Schmitt ne se détache pas plus, ne prenne pas son envol, comme si à force de chercher à être libre le groupe devenait surtout dépendant de lui-même.

« Alliance » devient alors un album de contraste, un album où tout se brouille alors que tout est pourtant intelligible, un album où la réflexion combat l’instinct, un album où l’on se retrouve à se battre avec l’attrait que suscite le groupe.

Je n’écoute pas souvent ces disques et, à chaque fois que je tombe par hasard sur eux (comme aujourd’hui par exemple), je m’étonne de ne pas les écouter plus souvent (là c’est « Brotherocean » !).

Du coup, c’est une bonne nouvelle de le savoir tourner toujours à quelques kilomètres de chez nous. On s’y habituerait presque.

Syd Matters sera le 06 mars à la Cité de la Musique pour « A History of Bob Dylan ». Une occasion de traverser cette fois l’Atlantique ?

Pour fêter sa longévité, la bande à Reuno sera le jeudi 26 janvier à La Laiterie à Strasbourg.

Du coup, je vous propose de réécouter “Les Gens”.

Composé de 20Syl et Greem ( Hocus Pocus) et de Atom et Pfel (Beat Torrent), C2C tape  là où beaucoup d’autres ne tapent plus. F·U·Y·A, premier extrait de l’EP à venir, fait appel à un clip rappelant la technique de Gondry sur le Around The World des Daft Punk (que Beat Torrent sample d’ailleurs souvent).

La technique se met au service de vrais morceaux, et l’on dépasse largement le cadre de la démonstration.

“Dans la gueule des jours”, leur troisième album, toujours sur Blow The Fuse, mélange plus que jamais la fièvre américaine avec la pop française dansante, comme des mods à clou.

“Mes lunettes noires”, leur nouveau clip visible ci-dessous, est assez représentatif de leur discographie. A prendre ou à laisser.

Les Breastfeeders: Mes lunettes noires par Bonsound